Muere el actor Burt Lancaster

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El 20 de octubre de 1994, Burt Lancaster, un ex artista de circo que saltó a la fama como protagonista de Hollywood con unas 70 películas en su haber, incluyendo De aquí a la eternidad y Ciudad Atlántica, en una carrera que abarcó más de cuatro décadas, muere de un ataque cardíaco a la edad de 80 años en Century City, California.

Lancaster nació el 2 de noviembre de 1913 en la ciudad de Nueva York y se crió en East Harlem. Después de una temporada en la Universidad de Nueva York, a la que asistió con una beca deportiva, renunció para unirse al circo, donde trabajó como acróbata. Una lesión obligó a Lancaster a dejar el circo en 1939, y trabajó en una serie de trabajos hasta que fue reclutado en el ejército en 1942. Tres años más tarde, mientras estaba de licencia, la carrera de actor de Lancaster se inició después de que fue a visitar a la mujer que se convertiría en su segunda esposa en la oficina teatral donde trabajaba y el asistente de un productor le pidió que hiciera una audición para una obra de Broadway. Obtuvo el papel, como sargento del ejército, y pronto Hollywood lo notó. En 1946, Lancaster hizo su debut en la pantalla grande junto a Ava Gardner en Los asesinos, basado en un cuento de Ernest Hemingway. Lancaster interpreta al sueco, un ex boxeador que está enredado con la mafia y espera ser asesinado por sicarios.

Pasó a protagonizar la película biográfica de 1951. Jim Thorpe: All-American, sobre el atleta olímpico nativo americano y la década de 1952 El pirata carmesí en el que utilizó sus habilidades acrobáticas como el personaje principal de capa y espada. En 1953, coprotagonizó con Deborah Kerr y Frank Sinatra en De aquí a la eternidad, una película de la Segunda Guerra Mundial ambientada en Hawai justo antes del ataque a Pearl Harbor. La película, que contenía la escena ahora icónica en la que Lancaster y Kerr están encerrados en un abrazo junto a la playa mientras las olas los recorren, le valió a Lancaster su primera nominación al Oscar como Mejor Actor. Entre los otros créditos cinematográficos de Lancaster durante la década de 1950 se encuentran apache (1954), en la que interpreta a un guerrero nativo americano; Dulce olor a éxito (1957), en la que interpreta a un despiadado columnista de chismes; y Tiroteo en el O.K. Corral (1957), en la que interpreta a Wyatt Earp con Doc Holliday de Kirk Douglas.

Durante las décadas de 1960 y 1970, Lancaster apareció en películas como 1960. Elmer Gantry, que le valió un Oscar al Mejor Actor por su interpretación de un estafador convertido en predicador; 1961 Juicio en Nuremberg, sobre los juicios por crímenes de guerra nazis de la Segunda Guerra Mundial; 1962 Hombre pájaro de Alcatraz, que se basó en la historia real de un asesino convicto que se convierte en un experto en aves mientras está tras las rejas y le valió a Lancaster otra nominación al Oscar al Mejor Actor; El drama histórico de 1963 del director italiano Luchino Visconti El leopardo, en el que Lancaster interpreta a un aristócrata envejecido; 1968 El nadador, basado en una historia de John Cheever; la película del desastre de 1970 Aeropuerto; y 1979 Amanecer zulú con Peter O'Toole y Bob Hoskins.

En 1980, Lancaster coprotagonizó la película del director Louis Malle. Ciudad Atlántica y su actuación como un gángster envejecido le valió su cuarta nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor. También apareció en Heroe local (1983), en la que interpreta a un excéntrico propietario de una empresa petrolera; y de 1989 Campo de sueños, protagonizada por Kevin Costner. Lancaster formó una compañía de producción con su agente, Harold Hecht, en la década de 1950, convirtiéndose en uno de los primeros actores de Hollywood en hacerlo. Entre sus créditos de producción se encuentran los de 1955. Marty, que ganó premios de la Academia a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Actor (Ernest Borgnine).


Cosas que aprendimos sobre Burt Reynolds solo después de su muerte

Burt Reynolds, el actor icónico que nos deslumbró con su sonrisa encantadora, su característico bigote tupido y su pecho aún más peludo, murió el 6 de septiembre de 2018 a la edad de 82 años. Aunque había enfrentado problemas de salud, su sobrina, Nancy Lee Hess , dicho Nosotros semanalmente que su muerte fue "totalmente inesperada". TMZ Posteriormente se confirmó que la legendaria estrella falleció en un hospital de Florida luego de sufrir un infarto. Recordar la vida del actor galardonado significa celebrar sus décadas de contribuciones a la industria del entretenimiento, incluidos sus memorables papeles en Smokey y el bandido, Boogie Nights, y El patio más largo.

Reynolds trabajó junto a innumerables estrellas y rompió más de unos pocos corazones en el camino, incluso cuando se casó con WKRP en Cincinnati estrella Loni Anderson terminó cuando se enamoró de una camarera llamada Pam Seals, por ABC Noticias. Fueron sus relaciones fallidas (y costosas) las que bombardearon los titulares durante su apogeo, y luego de su fallecimiento, se reveló aún más información sobre la vida personal del actor, té que ha demostrado ser tan fascinante como algunas de sus actuaciones en pantalla.

Esto es lo que hemos aprendido sobre Burt Reynolds solo después de su muerte.


Edad, altura y medidas

Burt Lancaster murió el 20 de octubre de 1994 (80 años). Nació según el horóscopo de Escorpio ya que la fecha de nacimiento de Burt es el 2 de noviembre. Burt Lancaster altura 7 pies 0 pulgadas (aprox.) Y peso 113 libras (51,2 kg) (aprox.). En este momento no sabemos acerca de las medidas corporales. Actualizaremos en este artículo.

Altura5 pies 1 pulgada (aprox.)
Peso144 libras (65,3 kg) (aprox.)
Medidas corporales
Color de los ojosMarron oscuro
Color de peloNegro
Talla del vestidoSG
Tamaño del zapato6.5 (EE. UU.), 5.5 (Reino Unido), 39.5 (UE), 25 (CM)

Kirk Douglas, una de las últimas estrellas supervivientes de la Edad de Oro de Hollywood, muere a los 103 años

El actor icónico dejó quizás su huella más indeleble en el cine al defender a los que estaban en la lista negra en la Era McCarthy con “Spartacus” en 1960.

Oliver Jones

AFP / Getty

A Kirk Douglas le gustaba una buena pelea. "Él pelea con su esposa, él pelea con la criada, él pelea con la cocinera", dijo una vez Burt Lancaster, su difunto coprotagonista, amigo y compañero de carrera. "Dios sabe que ha peleado conmigo".

No es de extrañar entonces que Douglas, quien murió el miércoles, casi dos décadas después de sufrir un derrame cerebral en 1996 que lo dejó con problemas para hablar, luchó hasta el final. El actor, uno de los pocos cuya personalidad descomunal era tan grande en la vida real como en la pantalla grande y uno de los últimos hilos que nos conectan con la fábrica de sueños de la Edad de Oro de Hollywood, tenía 103 años.

“Es con tremenda tristeza que mis hermanos y yo anunciamos que Kirk Douglas nos dejó hoy a la edad de 103 años”, dijo Michael Douglas en un comunicado. "Para el mundo, era una leyenda, un actor de la época dorada del cine que vivió hasta bien entrados sus años dorados, un humanitario cuyo compromiso con la justicia y las causas en las que creía establecía un estándar al que todos aspiramos".

"Pero para mí y mis hermanos Joel y Peter, él era simplemente papá, para Catherine, un maravilloso suegro, para sus nietos y bisnieto, su cariñoso abuelo, y para su esposa Anne, un maravilloso esposo", escribió Michael Douglas. .

“Permítanme terminar con las palabras que le dije en su último cumpleaños y que siempre serán ciertas. Papá, te amo mucho y estoy muy orgulloso de ser tu hijo ".

Aunque sufrir un derrame cerebral y luchar con valentía y públicamente para evitarlo puede haber suavizado considerablemente la imagen de Douglas ("A decir verdad, [es] una persona mucho más agradable", es como lo expresó su famoso hijo Michael), Douglas mantuvo una reputación como uno de los figuras más controvertidas en la historia de Hollywood. Sin importar el oponente, era un luchador casi constante, luchando por lo que pensaba que era correcto, mejor o más representativo de su yo genuino.

“Me atrae y me fascina lo difícil que es ser un individuo”, le dijo a Roger Ebert en 1969. “El hecho de ser una supuesta estrella de cine va en tu contra. Claro, siempre puedes hacer imágenes emocionantes, imágenes de aventuras, pero cuando intentas algo diferente, te caen encima porque eres una estrella. Y, sin embargo, ese tema del individuo, luchando contra la sociedad, siempre me ha obsesionado ".

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El actor estadounidense Michael Douglas (izq.) besa a su padre, el actor estadounidense Kirk Douglas (der.) junto al actor Burt Lancaster (der.) durante la 57a Entrega Anual de los Premios de la Academia, el 25 de marzo de 1985, en Hollywood, California. AFP PHOTO ROB BOREN (el crédito de la foto debe leer ROB BOREN / AFP / Getty Images) & quot

ROB BOREN

Como dijo Michael, el mayor de los cuatro hijos de Douglas Feria de la vanidad en 2010, “Era un superviviente muy intenso y talentoso. Estaba consumido con arañar y hacer algo de sí mismo ... "

Muchos, sobre todo el propio Douglas, rastrearon esta intensidad hasta su infancia, el actor usó su historia de vida similar a la de Horatio Alger como base de muchos de sus 11 libros, incluida su autobiografía más vendida de 1988, El hijo del trapero.

Nacido como Issur Danielovich en Amsterdam, Nueva York, Douglas pasó a llamarse Izzy Dempsky antes de inventar su nombre cuando se mudó a la ciudad de Nueva York. (Douglas era para Douglas Fairbanks y Kirk solo porque "sonaba elegante"). Sus padres eran judíos rusos analfabetos que habían escapado de los comunistas a Ellis Island Douglas y sus seis hermanas crecieron hablando yiddish. Es seguro decir que pocos actores crecieron más empobrecidos.

"Las personas a menudo se convierten en actores porque es una forma de escapar del mundo real", ha dicho Douglas. Y tenía mucho de lo que escapar, créame. Fue una lucha tremenda y hubo momentos en los que no sabíamos de dónde vendría la próxima comida ". Encontró su vocación cuando tenía 5 años cuando leyó un poema frente a los padres de su clase de primer grado y quedó cautivado por los aplausos. “Nació un actor”, dijo.

Después de la escuela secundaria, Douglas logró ingresar a la Universidad de St. Lawrence, donde actuó, fue una estrella en el equipo de lucha libre y trabajó como conserje. Después de la universidad, habló con dulzura de una beca de la Academia Estadounidense de Artes Dramáticas en la ciudad de Nueva York. Allí salió con Betty Pepske y su futura primera esposa Diana Dill. Betty eventualmente cambiaría su nombre a Lauren Bacall y recomendaría a su antiguo amor a Hal Wallis de Paramount para una prueba de pantalla.

Douglas golpeó Hollywood como un murciélago salido del infierno. Cuando alguien en el estudio quería que arreglara su característico hoyuelo en la barbilla, se volvió loco: "Si no te gusta el agujero en mi barbilla, ¡me voy a Broadway!" En una lucha por el control que marcaría toda su carrera, rompió su contrato de cinco películas con Paramount después de su debut en 1946 junto a Barbara Stanwyck en El extraño amor de Martha Ivers.

En 1947, inició su asociación de muchos años con Burt Lancaster con Camino solo. Era la pareja perfecta: Matt y Ben, la columnista de chismes de su época, Sheilah Graham, los apodó "Los gemelos de temperamento terrible". Lancaster dijo años más tarde: “Los dos éramos jóvenes, engreídos, arrogantes. Sabíamos todo. No le agradamos a nadie ". (No les gustó más Douglas: Photoplay lo nombró el hombre más odiado de Hollywood durante varios años seguidos).

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& quot; El actor estadounidense Kirk Douglas (izq.) y Martin Sheen (dcha.) aparecen durante el 32 ° Festival Internacional de Cine de Cannes, el 14 de mayo de 1979. AFP PHOTO RALPH GATTI / AFP / RALPH GATTI (El crédito de la foto debe leer RALPH GATTI / AFP / Getty Images ) & quot

RALPH GATTI

Para cuando obtuvo su primera nominación al Oscar, como era de esperar, fue por interpretar a un boxeador en Champion de 1949, el padre de dos hijos se divorció de Diana y desarrolló una reputación épica como mujeriego. Salió, entre otros, con Rhonda Fleming, Evelyn Keyes, Ava Gardner, Gene Tierney, Rita Heyworth, Joan Crawford, Marlena Dietrich y Pier Angeli, con quienes estuvo brevemente comprometido.

Fue un recuento lo suficientemente impresionante como para que la reputación lo persiguiera durante toda su vida a pesar de que se casó con Anne Buydens en Las Vegas en 1957 y se mantuvieron dedicados el uno al otro hasta su muerte. "Sí, para ser un tipo al que llamas mujeriego, he estado casado durante 57 años", dijo en 2011. "Y todavía le escribo poesía de amor. Le escribí varios poemas. En uno, dije: 'El romance comienza a los 80' ".

Con Stanley Kubrick's Espartaco en 1960, Douglas dejaría quizás su marca más indeleble en el cine, tanto como actor como como productor, quien insistió en que el guionista Dalton Trumbo, incluido en la lista negra, fuera debidamente acreditado por su guión.

"Fue un momento terrible en la historia de Hollywood", dijo a Interview. "Nunca debería haber ocurrido. Deberíamos haberlo combatido. Pero se acabó y yo, en mi vejez, me consuela el hecho de que lo recuerdo ". (Algunos sostienen que Douglas, quien publicó ¡Soy Spartacus !: Hacer una película, romper la lista negra en 2012 puede haber exagerado su papel en romper la lista negra).


De los archivos: el ganador del Oscar Burt Lancaster muere a los 80 años

Burt Lancaster, el intérprete, productor, gimnasta e iconoclasta, que desde sus inicios siempre fue una estrella, ha muerto, anunció su esposa el viernes.

El ganador de un premio de la Academia de 80 años y ex atleta de élite había tenido problemas de salud desde que sufrió un derrame cerebral hace casi cuatro años. Murió durante la noche del jueves de un ataque al corazón en su condominio de Century City, dijo Susan Lancaster, y agregó que no habrá funeral y que el entierro será privado.

Lancaster había estado en relativa reclusión desde que fue hospitalizado en Los Alamitos en noviembre de 1990. Sufrió el derrame cerebral mientras visitaba a un amigo en el condado de Orange y últimamente se había negado a recibir visitas, incluso a viejos amigos como Kirk Douglas.

El accidente cerebrovascular resultó ser el último de una serie de enfermedades físicas que se habían apoderado de la viril y polifacética estrella de más de 70 películas.

En 1983 se sometió a una cirugía de bypass de múltiples arterias coronarias y continuó padeciendo una afección cardíaca.

A pesar de que filmó "Little Treasure" seis meses después de la cirugía y continuó trabajando de manera constante en el cine y la televisión, a Lancaster se le negó el papel principal en "Old Gringo" en 1988 debido a su salud. Columbia Pictures decidió que el seguro para él sería demasiado caro y eligió a Gregory Peck en su lugar.

Pero Lancaster se recuperó de ese revés para ofrecer una actuación anunciada en "Field of Dreams" en 1989, interpretando a Moonlight Graham, un ex jugador de béisbol que tuvo un breve roce con la gloria atlética antes de convertirse en médico.

Con ese papel, como con docenas de otros a lo largo de su dilatada carrera como actor, era como si Lancaster hubiera nacido para el trabajo que eligió.

Algunos actores luchan hacia arriba a través de papeles menores a segundos protagonistas al estatus de estrella, otros citan una preparación académica, comenzando con cursos universitarios de teatro y progresando a través de Actors Studio y acciones de verano hasta la aclamación profesional.

Lancaster no tomó cursos ni interpretó segundos protagonistas, pero fue una auténtica estrella desde su primera aparición en la pantalla en 1946 hasta unos años antes de su muerte.

A veces, los logros de su carrera parecían casi demasiado numerosos para ser reales, y mucho menos recordados.

Se recordaron el premio de la Academia que ganó por “Elmer Gantry” en 1960 y el premio del Festival de Cine de Venecia que recibió dos años después por “El hombre pájaro de Alcatraz”. Pero muchos olvidaron el Oscar anterior que había compartido con Harold Hecht como coproductor de "Marty", que fue votada como la mejor película de 1955.

El trabajo de Lancaster en producciones dramáticas tan importantes como "Come Back, Little Sheba", "From Here to Eternity", "Judgment at Nuremberg", "The Rainmaker", "Seven Days in May" y "Atlantic City" tendía a eclipsar su trabajo. en películas como "Trapeze", "The Flame and the Arrow" y "The Crimson Pirate", que muestra el lado más ligero de su naturaleza.

Al ser notificado de la muerte de Lancaster, Kirk Douglas dijo que su relación de 50 años había sido preciosa. Douglas dijo que después de sobrevivir a un accidente de helicóptero hace unos años, se dio cuenta de "cuán importantes eran realmente la vida y los amigos".

"Burt no era solo un actor", agregó Douglas. “Era un intelectual curioso con un amor constante por la ópera que estaba constantemente en busca de personajes únicos para interpretar. . . . Elmer Gantry. . . el Hombre Pájaro de Alcatraz ".

Recordando las películas que él y Lancaster habían hecho juntos y las docenas de otras imágenes que mostraban al extrovertido vendedor y caminante de piso, Douglas dijo:

"Sabes, Burt no está realmente muerto. . . . Dentro de unos años, la gente seguirá viéndonos dispararnos unos a otros. . . todavía mirándolo en sus muchas otras grandes películas. Al menos ahora está en paz ".

Burton Stephen Lancaster nació el 2 de noviembre de 1913 en la sección East Harlem de la ciudad de Nueva York, asistió a la Escuela Pública 83 y a la Escuela Secundaria DeWitt Clinton, y a menudo decía que podría haber "crecido para ser policía o criminal (su hermano se convirtió en policía, varios de sus compañeros de juegos de la infancia terminarían en Sing Sing) si no hubiera sido por el atletismo y la biblioteca pública ”.

Medía 6 pies y 2 pulgadas de alto cuando tenía 14 años, con un físico fornido y reflejos rápidos que le valieron una beca deportiva para la Universidad de Nueva York. Una mente alerta y retentiva le dio una afición de por vida por los libros. Pero la educación formal comenzó a aburrirlo a mediados de su segundo año y dejó la universidad para unirse al circo.

Se asoció con su amigo de la infancia y compañero de gimnasia Nick Cravat, quien más tarde se unió a él para realizar acrobacias en cámara en "El pirata carmesí" y "La llama y la flecha", y formó el equipo acrobático de Lang y Cravat, consiguiendo un trabajo con el espectáculo de Kay Bros. con un salario de $ 3 por semana y tres comidas al día.

"Sabía", dijo en años posteriores, "que había encontrado el tipo de cosas que quería hacer por el resto de mi vida; la única pregunta era qué parte del negocio sería mejor".

De 1932 a 1937, el equipo de Lang y Cravat trabajó de manera constante: el compromiso de Kay Bros. dio paso a uno similar (pero mejor pagado) con Gorman Bros. Circus. A esto le siguió un cambio al espectáculo itinerante de Barnett Bros. y, finalmente, a una gira con Ringling Bros. y Barnum & amp Bailey, entonces, como ahora, la cima del mundo del circo en América del Norte.

"Pero no se sintió del todo bien", dijo. “Sentí que faltaba algo. Demonios, quería hablar. . . . "

Así que dejó el acto por un tiempo para aparecer con el Proyecto de Teatro de Administración de Progreso de Obras de la era de la Depresión.

"Pero realmente no funcionó para mí", dijo a los entrevistadores a lo largo de los años. “Me había formado el hábito de comer tres comidas al día, y eso era difícil de lograr con lo que el Proyecto de Teatro podía pagar. Así que volví a Lang y Cravat ".

Unas semanas después de su regreso al circo, uno de sus dedos se infectó y un médico le dio una opción: renunciar a las acrobacias profesionales o amputar la cara.

"Decidí mantener mi dedo", dijo, "y fui a buscar un tipo de trabajo diferente, fuera del circo, incluso fuera del campo del entretenimiento".

Durante los siguientes tres años, fue, por turnos, un caminante en el departamento de lencería de la tienda Marshall Field en Chicago, un vendedor en el departamento de mercería de la misma tienda, un bombero, un conductor de camión e ingeniero para una planta empacadora de carne.

Al regresar a Nueva York, encontró un trabajo en Columbia Concerts Bureau (una subsidiaria de la cadena CBS que suministra música a pequeños pueblos de todo el país). Pero antes de que pudiera asumir sus nuevas funciones como agente de reservas, recibió su aviso preliminar.

"Me lo pasé de maravilla", dijo, "¡de gira por el norte de África, Italia y Austria como pasador de páginas para un pianista soldado!"

Sin embargo, los años de la Segunda Guerra Mundial llevaron a un contacto importante.

Eso fue con una animadora de USO llamada Norma Anderson. Se mantuvieron en contacto durante el resto de la guerra, y tan pronto como terminó, usó su licencia de licencia de 45 días y su vale de viaje para buscarla en Nueva York, donde trabajaba para un productor de radio.

Estaba en el ascensor, de camino a su oficina, cuando se dio cuenta de que un pasajero lo miraba fijamente.

"Cuando me bajé en el piso de Norma", dijo, "el tipo me siguió, y debo admitir que realmente estaba empezando a preocuparme cuando sacó una tarjeta de presentación".

El hombre se identificó como socio del productor de teatro Irving Jacobs e invitó a Lancaster a leer el papel de un sargento duro en una nueva obra llamada "A Sound of Hunting".

Lancaster consiguió el papel y, aunque la obra solo sobrevivió durante cinco semanas, los críticos fueron unánimes en sus elogios. Trajeron exploradores de películas a la obra y resultaron siete ofertas de contratos de pantalla.

Pero no aceptó ninguno de ellos. En cambio, firmó con Hecht, quien vino detrás del escenario para hacer una oferta que nadie más tenía, y le dijo a Lancaster: "En cinco años estaremos haciendo nuestras propias imágenes".

Se dieron la mano y comenzaron una asociación empresarial que produjo un suministro casi ininterrumpido de películas, millones y premios Oscar durante el próximo cuarto de siglo.

El primer paso de Hecht fue firmar un contrato con Lancaster con Hal Wallis que pedía dos películas al año. El actor novato abordó un tren para Hollywood, listo para comenzar a trabajar de inmediato en una película titulada "Desert Fury". Pero al llegar descubrió que el guión no estaba listo.

El productor Mark Hellinger, sin embargo, había visto una prueba de pantalla de Lancaster y lo quería para el papel de héroe condenado del sueco en "The Killers", basada en el cuento de Ernest Hemingway.


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Burt Lancaster, una estrella de Hollywood, muere a los 80 años después de un ataque cardíaco en 1994

Burt Lancaster, hijo de un empleado de correos de East Harlem cuyo cerebro y fuerza lo convirtieron en una estrella de Hollywood de extraordinario atractivo, fue llorado ayer como "un gigante" después de su muerte a la edad de 80 años.

Lancaster, quien sufrió un derrame cerebral hace cuatro años que lo dejó incapaz de hablar o reconocer a sus amigos, murió el jueves de un ataque al corazón en su casa de Los Ángeles, dijo su esposa, Susan Scherer.

"Estaba acariciando mi cabello y tocando mi cara, suspiró y eso fue todo", dijo Scherer.

"Se fue muy, muy tranquilo. Estuvimos juntos, gracias a Dios", agregó. "Esta última semana ha estado mejor que nunca. Fue una completa sorpresa".

Lancaster, un graduado de la escuela secundaria DeWitt Clinton en el Bronx, llevó el estereotipo del tipo duro de la película a un nuevo plano, enriqueciendo su machismo en la pantalla con sensibilidad y consideración. Su carrera abarcó más de cuatro décadas y 70 películas, desde hoscas y duras hasta protagonistas y protagonistas. Incluso en el ocaso de su carrera, su estatura solo fue confirmada por la conmoción de sus actuaciones.

Ganó un Oscar por la película de 1960 "Elmer Gantry". Otras películas memorables incluyen "The Birdman of Alcatraz", "From Here to Eternity", "Sweet Smell of Success", "Atlantic City", "Judgment at Nuremberg", "The Rose Tattoo" y "Local Hero".

"Hay muchos buenos actores, pero muy pocos únicos. Como Cagney y Bogart, Burt fue único", dijo su coprotagonista de "Elmer Gantry" Shirley Jones.

"Es el fallecimiento ahora de un gigante", dijo ayer su amigo y coprotagonista Kirk Douglas. "Pero Burt nunca morirá. Siempre podremos verlo balanceándose desde un yardarm en" El pirata carmesí "... y disparando conmigo en" Tiroteo en el O.K. Corral.'"

"Siento que la industria ha perdido a una persona maravillosa, una que siempre estuvo entusiasmada con las películas que hizo. No importa cuál sea el material, siempre le dio lo que yo llamaría un 100% real", dijo el coprotagonista de "Birdman". Karl Malden.

Después de temporadas como acróbata de circo y animador del ejército, la carrera cinematográfica de Lancaster estuvo marcada por papeles físicos e intensos, pero también tuvo un buen desempeño en las partes sensibles.

Pero incluso como estrella, nunca olvidó de dónde venía, donando dinero a organizaciones benéficas de East Harlem. También fue un firme creyente en las causas liberales y una vez se desempeñó como presidente de la Unión Estadounidense de Libertades Civiles.

Nacido como Burton Stephen Lancaster el 2 de noviembre de 1913, en Third Ave. y 106th St., el actor era hijo de un empleado de correos de East Harlem. Después de la secundaria, asistió a la Universidad de Nueva York con una beca de baloncesto.

Pero Lancaster abandonó NYU en su segundo año para formar un equipo acrobático con su amigo de la infancia Nick Cravat. Luego, el dúo pasó varios años de gira con circos, vodevil y clubes nocturnos.

Reclutado durante la Segunda Guerra Mundial, Lancaster pasó la mayor parte de su período de servicio entreteniendo a las tropas. En 1945 comenzó su carrera como actor apareciendo en una producción de Broadway que cerró después de dos funciones.


Burton Stephen “Burt” Lancaster fue un actor, director y productor de cine nacido el 2 de noviembre de 1913 en Manhattan, Nueva York, EE. UU., Y fue cuatro veces nominado al Oscar por su actuación en “Elmer Gantry” (1960). Por su trabajo en “The Birdman of Alcatraz” (1962) y “Atlantic City” (1980), recibió un Globo de Oro y un premio BAFTA, y su otro trabajo destacado incluye películas como “Marty” (1955), “Trapeze ”(1956),“ Dulce olor a éxito ”(1957),“ Tablas separadas ”(1958) entre muchas otras. Falleció en octubre de 1994.

¿Alguna vez te has preguntado qué tan rico era Burt Lancaster? Según las fuentes, se ha estimado que el patrimonio neto total de Burt Lancaster fue de $ 40 millones, acumulados durante casi medio siglo de carrera como actor. Dado que también tenía empresas de dirección y producción, también aumentaron su patrimonio neto.

Valor neto de Burt Lancaster $ 40 millones

Nacido como uno de los cinco hijos de la familia, Burt demostró ser un notable talento atlético cuando era niño. Tenía 19 años cuando se unió al circo para actuar en actos acrobáticos con su amigo de toda la vida Nick Cravat, quien más tarde coprotagonizó varias de sus películas. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lancaster sirvió en el ejército y como resultado de actuar en espectáculos de USO, desarrolló un interés en la actuación. Cuando terminó la guerra, consiguió su primer trabajo como actor profesional en la obra de Broadway "A Sound of Hunting" (1945), y su actuación fue notada por un buscador de talentos que lo llevó a Hollywood.

La primera película de Burt llegó dos años después con "Desert Fury", y llamó la atención del público por primera vez en el clásico negro "The Killers" (1946). Lancaster evitó el encasillamiento de Hollywood y pronto tomó el control de su carrera al cofundar la productora Hecht-Hill-Lancaster en 1948 y al establecer su reputación como actor versátil. A lo largo de su carrera, apareció en numerosas películas de calidad, manteniendo el pico de popularidad a finales de los 40, 50 y 60 gracias a papeles en películas como "I Walk Alone", "All My Sons", "Sorry, Wrong Number ”,“ Criss Cross ”,“ The Crimson Pirate ”,“ Come Back, Little Sheba ”y muchos otros. Obtuvo su primera nominación al Premio de la Academia por su papel en "De aquí a la eternidad" (1953), todo lo cual ayudó a su creciente patrimonio neto.

Su serie de papeles continuó durante los años siguientes, ya que apareció en los éxitos “Apache”, “Trapeze” y “Run Silent, Run Deep”. Por su carismática interpretación en “Elmer Gantry” (1960), Burt ganó un Oscar y un año después, después de interpretar a un criminal de guerra nazi en “Juicio en Nuremberg” (1961), fue nominado a otro Oscar. Sus otras películas notables durante los años sesenta incluyen "Siete días de mayo", "El tren", "Los profesionales" y "El nadador". Aunque su primera película en los años 70 fue un desastre, Lancaster también actuó en algunas películas notables durante esa década, incluido su papel en "1900" de Bertolucci. En los años siguientes, aparecieron más papeles de personajes, como Kirk Douglas en "Tough Guys" (1986) y su conmovedora interpretación del Doctor Graham en "Field of Dreams" (1989).

Dio su última actuación en la miniserie televisiva “Separados pero iguales” (1991) tras la cual se retiró por problemas de salud, habiendo aparecido en casi 80 películas en la gran pantalla y más de una docena en televisión. Está clasificado por el American Film Institute como el número 19 de las mayores estrellas masculinas del cine clásico de Hollywood.

En lo que respecta a su vida privada, Lancaster se casó tres veces. Sus dos primeros matrimonios terminaron en divorcio, con June Ernst (1935-46) y Norma Anderson (1946-69) se casó con su tercera esposa, Susan Martin en 1990 y permaneció con ella hasta su muerte el 20 de octubre de 1994 en Century City, Los Ángeles, California, Estados Unidos. Era padre de cinco hijos, todos con Norma.


Vida y biografía de Burt Lancaster

Fecha de nacimiento: 02/11/1913
Fecha de fallecimiento: 1994-10-20
Lugar de nacimiento: Ciudad de Nueva York, Nueva York, EE. UU.
Nacionalidad: americana
Categoría: Figuras famosas
Última modificación: 2011-01-22
Acreditado como: actor de cine, Elmer Gantry, The Birdman of Alcatraz (1962)

Burt Lancaster , una de las estrellas de cine más populares de todos los tiempos, nunca quiso ser actor. Cayendo en la actuación por casualidad, Lancaster procedió a convertirse en una estrella, aunque no tenía ningún entrenamiento dramático. Hizo 85 películas durante su larga carrera y ganó un Oscar.

Burton Stephen Lancaster, el cuarto de cinco hijos, nació el 2 de noviembre de 1913 en la ciudad de Nueva York de James Lancaster, un trabajador postal, y Elizabeth Roberts Lancaster. Aunque la familia era descendiente de irlandeses e ingleses, residían en el este de Harlem italiano. Cuando Lancaster y sus hermanos tuvieron la edad suficiente, quitaron nieve, vendieron periódicos y lustraron zapatos para ganar dinero para la familia. Mientras que James Lancaster era un padre amable y cálido, Elizabeth era una estricta disciplinaria, inculcando en sus hijos las virtudes de la honestidad y la lealtad, con azotes si era necesario. No tenía prejuicios contra los diferentes grupos étnicos de su vecindario y los trató a todos con amabilidad, lo que causó una fuerte impresión en su hijo.

Lancaster asistió a la Escuela Pública 121 para los grados primarios inferiores. Allí le fue bien, especialmente en lectura y escritura. Luego se trasladó a la Escuela Pública 83, donde disfrutó del inglés y la historia, pero le fue mal en matemáticas. A Lancaster le encantaba leer y afirmaba haber leído todos los libros de la biblioteca de la calle 110 cuando tenía 14 años. También adoraba las películas, especialmente las del intrépido Douglas Fairbanks, pero no quería convertirse en actor. Hasta los 15 años, Lancaster quería ser cantante de ópera. A lo largo de su vida conservó el amor por la ópera y la música sinfónica.

A la edad de 13 años, Lancaster perdió su grasa de bebé y se convirtió en un joven alto y atlético. Corría por las calles y parques con los niños del vecindario, y en la Union Settlement House apareció en una obra de teatro. Un director famoso, Richard Boleslavsky, lo vio en el programa y quedó tan impresionado que discutió la posibilidad de una escuela de teatro con Elizabeth Lancaster. Su hijo, sin embargo, no estaba dispuesto, y calificó la actuación de "maricón".

En el campamento, cuando tenía nueve años, Lancaster conoció a su amigo de toda la vida Nick Cravat, un tipo duro con quien Lancaster trabajaría más tarde. Lancaster asistió a DeWitt Clinton High, una escuela académica para varones para estudiantes que tenían la intención de ir a la universidad. En su último año, la madre de Lancaster murió de nefritis intestinal crónica. Se graduó de la escuela secundaria el 26 de junio de 1930 y entró en la Universidad de Nueva York en septiembre de 1931. Esperaba ser profesor de gimnasia y se involucró con la gimnasia. Lancaster dejó la universidad a principios de su segundo año y se unió a un circo con su amigo Cravat. Ganaron tres dólares a la semana como acróbatas.

Lancaster conoció a June Ernst, una acróbata, y se casó con ella en 1935 cuando él tenía 21 años y ella 18. Se separaron en 1937 y se divorciaron en 1940. Ese mismo año, cuando Lancaster se lesionó gravemente la mano derecha, decidió abandonar el circo. Trabajó para una tienda departamental, una empresa de refrigeración y en varios otros trabajos, incluido el de camarero cantante, hasta que fue reclutado para el ejército de los EE. UU. En 1942.

Lancaster became part of Special Services, whose purpose was to entertain the soldiers and provide them with off-duty activities. He began as an athletic instructor, moving on to the job of entertainment specialist, where he wrote, directed and performed in skits.

While putting on shows for the troops in Italy in 1944, Lancaster met the woman who was to become his second wife, Norma Anderson, a United Service Organization (USO) entertainer. Later, in New York, Lancaster visited Anderson, who worked for ABC radio. In the building's elevator, a man asked him if he was an actor. Lancaster responded that he was a "dumb actor," meaning he performed without words, as an acrobat. A few minutes later, the man telephoned the office where Lancaster was visiting and asked him to audition for the play, A Sound of Hunting.

Lancaster got the part. After three weeks of rehearsals, the play opened on November 6, 1945 and closed three weeks later. Lancaster then got an agent, Harold Hecht, and signed a contract with Hal Wallis Productions, Inc. on January 8, 1946 to make two films a year for seven years. He was also able to work for other companies. Lancaster took the train to California with one set of clothes and thirty dollars.

Not only was Lancaster a capable actor, but he looked very good on camera. He stood six feet two inches tall, weighed 180 pounds, and had a large chest and a small waist. He looked younger than his thirty-two years and had a gorgeous smile and bright blue eyes. While waiting to make his first film for Hal Wallis, Lancaster signed a contract with Mark Hellinger to make one picture a year for up to five years. Lancaster was paid $2,500 a week for his work in The Killers, which became a big hit and launched Lancaster's film career. He later said of that time, as quoted in a Sidney Skolsky syndicated column of 1950, "I woke up one day a star. It was terrifying."

After finishing the film, Lancaster drove back east to be with Anderson, who had given birth to their first child, James, on June 30, 1946. Lancaster and Anderson had not yet married, but would do so on December 28, 1946 in Yuma, Arizona. Their second son, Billy, was born in November of 1947.

On Lancaster's second film, Desert Fury, the actor argued angrily with the director when he disagreed about how something should be done in the film. This was a habit he never lost and stemmed from his intense involvement with his work. In his third film, I Walk Alone, Lancaster starred with Kirk Douglas, with whom he would make other films, including Gunfight at the O.K. Corral. The two had a love-hate relationship until Lancaster's death.

In September 1947, the House Un-American Activities Committee subpoenaed 34 people from Hollywood to investigate the extent of Communist infiltration in the movie industry. To protest, several people in the industry, including Lancaster, formed the Committee for the First Amendment. This represented the beginning of his involvement with liberal political causes. In March 1948, Lancaster began work on Kiss the Blood off My Hands, the first project of his new company, Hecht-Norma Productions, that he had formed with Harold Hecht.

In July 1948, Lancaster bought his first home. Located in Bel-Air, the large colonial housed the Lancasters, Burt's father, and Burt's widowed sister-in-law, Julia. Over the years Lancaster added a pool, tennis court, guesthouse, projection room, gym, kennel, and a baseball diamond. Lancaster also began collecting modern French paintings. He loved playing bridge and took the game very seriously.

In 1949, Lancaster began an affair with actress Shelley Winters. His marriage to Norma had problems because of her drinking, and Lancaster was often unfaithful. Norma gave birth to their third child, Susan, in July 1949. In 1950, when Norma again became pregnant, Winters realized that her relationship with Lancaster had no future. She burned all her photos of him and ended the affair.

In 1952, Lancaster made the film Come Back, Little Sheba with actress Shirley Booth. Twenty years later, Lancaster would call Booth the finest actress he had ever worked with. His portrayal of a middle-aged alcoholic surprised audiences and displayed his acting abilities and willingness not to be typecast. Of this shift in his career, he later said, in an article in Films and Filming, "Suddenly they began to think of me as a serious actor."

In 1953, Lancaster starred in From Here to Eternity as Sgt. Warden, a tough, serious soldier who falls in love with his commanding officer's wife. The film contains one of the most famous love scenes of all times, with Lancaster and his co-star Deborah Kerr kissing on a beach as waves wash over them. From Here to Eternity earned more money than any other film in the history of Columbia Pictures to that point. Lancaster won the New York Film Critics Circle Award for the best actor of 1953. He was nominated for, but did not win, the Academy Award for best actor of that year.

In 1954, Lancaster directed his first movie, The Kentuckian, in which he also starred. Directing had been a dream of his, but after the lukewarm reception the film received, Lancaster was terribly disappointed and directed only one other movie, The Midnight Man, in 1974.

Lancaster starred in Elmer Gantry, (1960), about a larger-than-life evangelist. Later Lancaster was to say that of all the roles he had played, Elmer Gantry was the most like himself. Gary Fishgall wrote in Against Type: The Biography of Burt Lancaster, "If one had to chose a single picture from the prime of Lancaster's career to define the essence of his stardom, Elmer Gantry would be that film." For his work in the film Lancaster won the New York Film Critics Award for best actor of 1960, the Golden Globe for best motion picture actor in a drama, for 1960, and the Academy Award for best actor of 1960.

In late 1960, Lancaster began filming Birdman of Alcatraz, in which he plays a prisoner who raises birds. Lancaster became very emotionally involved with his role. "One of the problems an actor faces, and it's a very dangerous thing, is to get so involved in a role he loses control of what he is doing. With Birdman of Alcatraz, I couldn't stop crying throughout the film," Lancaster explained in Take 22: Moviemakers on Moviemaking. He was nominated for an Academy Award for his portrayal of Robert Stroud.

Lancaster began filming Judgment at Nuremberg in early 1961. The movie detailed the 1948 war crimes trial of four Nazi judges. Lancaster played Ernst Janning, but was not popular in the role.

In September 1961, Lancaster's father died. James Lancaster had lived with his son since 1947. The two had been very close. In November of that year, the Lancaster's home burned to the ground in a fire that destroyed 456 homes in Bel-Air. Luckily Lancaster's art collection survived since it had been lent to the Los Angeles County Art Museum only the week before. The family rebuilt their home on the same site.

In 1964, Lancaster began filming The Hallelujah Trail in New Mexico. On the set he met a hairdresser named Jackie Bone, who would be his girlfriend for the next 20 years. Although Lancaster was still married to Norma, he fell very much in love with Bone. He and Norma finally separated in 1967, but did not divorce until 1969. The end of his marriage was hard on Lancaster, who considered himself a family man, but he could not deal with his wife's alcoholism. Lancaster's relationship with Bone was stormy. Once they argued in a restaurant and Bone broke a pitcher over his head.

As the 1970s began, Lancaster had not had a successful movie for three years. His good looks were fading, and he drank to excess. He became depressed. Although he made 14 films in the 1970s, they were not very popular. In 1973, Lancaster and Bone moved to Rome. He learned to speak some Italian, cook spaghetti and even grew his own herbs for cooking. Their relationship remained stormy, and he cheated on her, as he had with Norma. The couple moved back to the U.S. in 1976.

In late 1979, Lancaster began work on Atlantic City, a film about two elderly gangsters. It was the first film in which he played a senior citizen. For his work in the film, Lancaster earned several awards including the BAFTA Film Award for best actor, 1980 the Los Angeles Film Critics Association award for best actor, 1980 and the New York Film Critics Circle Award for best actor, 1980.

At a party in 1985, Lancaster met Susie Scherer, a legal secretary who began to work for him. They fell in love and married in September 1990. In 1988, Lancaster made the very popular film Field of Dreams, his last film for the big screen. Lancaster's last work was a television mini-series called "Separate But Equal."

In November 1990, Lancaster suffered a major stroke which left him with paralysis on his right side and difficulty speaking. Lancaster died in Century City, California on October 20, 1994, only two weeks away from his 81st birthday.

Fishgall, Gary, Against Type: The Biography of Burt Lancaster, Scribner, 1995.


The Coded Queer Lives of a Hollywood Classic

“The Cat’s in the Bag, the Bag’s in the River”

What were we meant to be feeling at the movies in the 1950s on hearing a line like this? What do we feel now? What is this insinuating rumor about the cat, the bag, and the river getting at? How did movies make such magic out of masked meanings?

We looked at the screen, and things there seemed so real or emphatic—the men, the women, the sky, the night, and New York. En Sweet Smell of Success (1957) you believed you could sniff the black-and-white stink of the city. Wasn’t that in the contract as light ate into film’s silver salts? But the things depicted were also elements in a dream—nothing else looks like black-and-white. And because we believe dreams have inner meanings, not meant to be understood so much as lived with, we guessed there might be a secret within the facts. Was it just a gorgeous, repellent mood in Sweet Smell, or was a larger odor hanging over the film?

“The cat’s in the bag, the bag’s in the river,” Sidney Falco says to J. J. Hunsecker as information or promise, even as endearment. Those two rats play a game together called bad mouth. In 1957 in Sweet Smell the line had the click of hard-boiled poetry or of a gun being cocked. It said that some secret business was in hand, cool, calm, and collected but also dirty and shaming until you dressed it up in swagger. We were sinking into rotten poetry. I felt for that cat, and wondered if its death was being signaled but I guessed the scrag of wet fur was alive still—it was a secret and secrets don’t die, they only wait. The very line said, What do you think I mean? And that’s what the best movies are always asking. Sometimes you revisit those 1950s movies and feel the cat’s accusing eyes staring at you through the bag and the rising river.

Some people treasure Sweet Smell of Success because it’s so unsentimental, so gritty. I don’t buy that. Long before its close the story becomes tedious and woefully moralistic. It shuts itself down, and then the wisecrack lines are stale garnish on day-old prawn cocktail. Admit it: after sixty years, a lot of “great” films can seem better suited to museums than packed places where people want to be surprised for the first time, ahora. In museums, as on DVDs, the films can seem very fine, yet not much happens while you’re watching except the working of your self-conscious respect. But power in a movie should be instant and irrational it grabs at dread and desire and often involves more danger than contemplation.

Sweet Smell is that good or grabby for at least half an hour—and in 1957 that came close enough to horror or fascination to alarm audiences. Perhaps that’s why the scabrous movie had to ease back, turn routine, go dull, whatever you want to say. Would it have been too disturbing for the movie business—which includes us, the audience—if Sweet Smell of Success had gone all the way and let its cat out of the bag?

As written first by Ernest Lehmann, then rewritten by Clifford Odets, and directed by Alexander Mackendrick, Sweet Smell is set in the old newspaper world of New York City. J. J. Hunsecker is an indecently potent gossip columnist on the New York Globe. The hoardings in the city call him the Eyes of Broadway, with the image of his cold stare and armored spectacles. At the time, there was talk that Hunsecker was based on a real columnist, Walter Winchell. That’s not incorrect. But how many now know who Winchell was then? Whereas a lot of us still respond to the smothered hostility in Burt Lancaster and react to the gloating tension he has in the lm with Tony Curtis.

Lancaster played Hunsecker his own company (Hecht-Hill-Lancaster) produced the movie. So Burt was in charge, and he is filmed throughout the story as a monarch who sits still and orders the execution of others with the flicker of an eye or a hushed word. That verdict will be passed finally on Sidney Falco (Tony Curtis), a scuttling press agent who survives by getting items into Hunsecker’s column and so can be engaged to do whatever ugly deeds J.J. requires. A refined, codependent slavery exists between them: J.J. smiles and Sidney smiles, but not at the same time. It is the toxic pact between these two that makes the film disturbing for at least thirty minutes—but it might have been a greater film still if it could have seen or admitted that their mutual loathing is the only thing that keeps them from being lovers.

This was not admitted in 1957, and no one can blame a commercial movie of that era for lacking the courage or even the self-awareness that would have been so direct about a destructive homosexual relationship. If Burt had felt that subtext, his company would never have made the picture. But Burt the man and the actor cannot resist the allure of the secret. He looks at Sidney and at his own position like a charmer looking at a snake and seeing danger. Todavía Sweet Smell plays out finally as one more melodrama of good people and bad people—the way Hollywood liked to tell us the world worked. The radical situation of the lm is that Sidney fears and needs J.J. while the columnist despises but needs Sidney. There’s no room for conventional affection, let alone love, but dependency is like cigarette smoke at the nightclubs where the two rats live. And it reaches poetry in the vicious zigzag talk that joins these men at the hip.

They know each other like a married couple.

The talk seems lifelike—you can believe you are hearing two cynical professionals whose venom is ink the insults feel printed. But it’s hard for movies to stop at that. In the conspiracy of close-ups and crosscutting, and in the pressure to hold audience attention, the talk becomes musical, rhythmic, a self-sufficient rapture, and even the subject of a film.

Sidney goes to the 21 Club, sure that J.J. will be there, in his element. They know each other like a married couple. J.J. is at his table, holding court—he is a little like Vito Corleone at the start of The Godfather, but not as warm or amiable. Hunsecker is receiving a U.S. senator—a weak officeholder he has known for years—a groveling talent agent, and a blonde woman the agent is touting (and providing for the senator’s pleasure). The blonde is named Linda James. She maintains she is a singer. She is played by an actress named Autumn Russell who had a dozen movie credits before fading away she is good here as a woman past youthful freshness, attractive yet desperately preserved, painfully available, and about to be humiliated.

Sidney sits down at the table, beside but a little behind Hunsecker. J.J. begins to order him away, but Sidney has a password, a way into J.J.’s need—he has something to tell him about Hunsecker’s sister. So the powerful man relents and Sidney stays. Then Miss James, trying to be pleasant, wonders out loud if Sidney is an actor.

“How did you guess it, Miss James?” asks Hunsecker, scenting revenge.

“He’s so pretty, that’s how,” she responds. And let it be said, Tony Curtis in 1957 was “pretty,” or a knockout, or gorgeous… The list of such words is not that long, and it’s nearly as problematic now as calling a woman “beautiful.” Let’s just say “pretty” fits, even if Sidney is torn between pleasure and resentment at hearing the word.

Then Hunsecker speaks—and in a few words we know it is one of the killer speeches of 1957.

Mr. Falco, let it be said, is a man of forty faces, not one, none too pretty and all deceptive. See that grin? That’s the charming street urchin’s face. It’s part of his “helpless” act—he throws himself on your mercy. He’s got a half a dozen faces for the ladies, but the real cute one to me is the quick, dependable chap—nothing he won’t do for you in a pinch, so he says! Mr. Falco, whom I did not invite to sit at this table, tonight, is a hungry press agent and fully up on all the tricks of his very slimy trade!

That speech is as cruel as it is literary. It helps us recognize how uncasual or nonrealistic movie talk can be. Of course Hunsecker is a writer, though it’s easier to believe he dictates his column instead of putting pen to paper. But the speech relishes words and their momentum. In life, it was one of the speeches that Clifford Odets hammered out on his typewriter in a trailer parked on a Manhattan street hours ahead of the shooting. Odets had been a revered playwright in the 1930s, the husband or lover to famous actresses, and here he was, at fifty, a Hollywood writer and rewriter for hire, doctoring a screenplay for immediate performance. He knew self-loathing from the inside observers said he was “crazed” by the shift in going from being the next Eugene O’Neill to just another script doctor. Yet Odets was good enough to build to this moment: as he concludes his assassination, Hunsecker picks up a cigarette, and says, quietly, “Match me, Sidney.”

This is an ultimate humiliation it is the blade slipping between the bull’s shoulder blades but it is a proposal, too, or an admission that a terrible wounding marriage exists between the two men, one that cannot be owned up to or escaped. The line is poison for Sidney to taste, and Tony Curtis has played the scene, in close-up, like a man with a sweet tooth for poison, on the edge of nausea. (Later on in the film, Hunsecker tells Sidney he’s “a cookie filled with arsenic.”)

But even a destroyed wife can sometimes get a line back. “Not just this minute, J.J.,” Falco answers, and now we know there is a level between them, beneath professional cruelty and self-abasement. It is a horrible kind of love. Hunsecker smiles at the refusal, as if to admit that the wretched Falco can stick around.

There is more talk like this, and in 1957 it was courageous or even reckless: the film was never a popular success—it had rentals a million dollars less than its costs, so Burt the businessman suffered, which meant others would feel the pain. One obvious risk in the film was giving offense to real Hunsecker-like figures and undermining the integrity of what was still called “the press.” But there’s a deeper implication in the scene and the talk: these two men need each other they might exchange insult and subjugation forever. Indeed, as an audience we don’t want them to stop talking.

Alas, Sweet Smell cannot act on that realization. A complicated plot intervenes. J.J. is obsessed with his sister, Susan. This is asserted, but never explored: does he simply need to control her, or does he have a physical desire for her that he cannot express or admit? It should be added that there is no other woman in Hunsecker’s life. He is disturbed that Susie seems to be in love with a young jazz musician, Steve—maybe the cleanest, whitest, dullest jazzman in all of cinema. These two characters, played by Susan Harrison and Martin Milner, are embarrassments who drag the lm down. This is not an attack on the actors but despair over the concept that lets the lm dwell on them. Why is J.J. obsessed? We never discover an answer. I don’t necessarily want to see his incestuous yearnings I accept his need for power and fear in others. But I want chemistry between J.J. and Susan if the threat of losing her is to be dramatic.

As it is, Sweet Smell degenerates into a tortured intrigue in which Sidney contrives to frame Steve on drug charges, just to make Susan turn against her guy. This leads to an ending in which two bad men get their just desserts. But that is banal and lacks feeling for “the young lovers,” who trudge off together into a new day. We do learn more about Sidney’s conniving nature, and the film becomes a showcase for Curtis. (That he was not nominated for his work speaks to how far Sidney unsettled Hollywood.) But we do not get enough of the two caged men clawing at each other with spiteful words. I don’t think anyone could contemplate a remake of the film today without seeing that there has to be a gay relationship between columnist and press agent, a reliance that excludes the rest of life.

As the film ends, Susie has found the strength to leave her brother. “I’d rather be dead than living with you,” she says. The odious cop, Kello, has beaten up Sidney on the street and carried his limp body away. Is he dead? Or would it be possible for J.J. to come down to the street to reclaim the broken body, carry it upstairs, and put it in the room left free by Susie’s departure? That is not an enviable future for a very odd couple. Maybe Sidney lives in a wheelchair, crippled and needing to be looked after. Just so long as he can exchange barbed lines with J.J.

This is less film criticism—as in a review of a new film—than a reflection on the history of the medium and the way a dream evolves if it is potent enough. I can find no evidence that anyone on the picture intended the undertone I am describing, or was aware of it. I am confident that director Mackendrick and writer Odets were not homosexual, though I’m less sure that they didn’t understand the possibility of that relationship and see an underground life in the casting. Tony Curtis (born Bernard Schwartz in 1925) really was a very good-looking kid, though as a Bronx boy and then a young man in the Pacific war (in submarines), he was only ordinarily good-looking. It was in the late 1940s, as he thought of a show business career, that he started working hard on his looks and his body, and when he felt people in the neighborhood were thinking he might be gay.

In those late 1940s—and still today—there is a widespread feeling that a lot of people in show business are gay. That notion exists above and beyond the fact that there are more homosexuals in show business than in most other professions. Curtis was a fascinating case, with a well-earned reputation as a ladies’ man, with six marriages and six children.

I n watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for?

Curtis was also funny, candid, and quite bold. He could sit there on screen as Sidney while other characters considered how “pretty” he was. Many lead actors of that era would not have stood for that—I’m sure Lancaster would not have sat there, absorbing it (which doesn’t mean he was deaf to the undertones as he administered the lashing). Curtis grew up in the movie business with a corps of very good-looking guys, many of whom were clients of the agent Henry Willson, who cultivated gay actors who did not come out of the closet on screen—one of them was Rock Hudson, a contemporary of Curtis’s at Universal.

Maybe most important of all, Curtis had the courage to play Josephine in Billy Wilder’s radical film, Some Like It Hot. How much courage? Well, it’s fair to say that Jack Lemmon played Daphne in the spirit of farce and slapstick. It’s not likely, watching Some Like It Hot, in 1959 or now, to believe that Daphne is a girl. But Curtis went for it. Josefina es an attractive woman. Curtis is candid in his book, American Prince, about the shyness he felt in wearing female clothes and then being on show in front of the crew. “After all these years of putting up with guys coming on to me and hearing rumors about my own sexuality, dressing like a woman felt like a real challenge to my manhood.” So he told Wilder that Josephine needed better clothes.

Not that it matters now, but I don’t believe Tony Curtis was gay, ever. Of course, that would have nothing to do with his ability as an actor to imagine or pretend to gay experience. And if Curtis was that good then he was admitting millions of people in his audience into the same experiment. One principle in this book—and it has been of enormous influence in our lives as a whole—is that in watching pretense we acquire a deeper sense of our reality but a growing uncertainty over our psychic integrity. What else are movies for? We thought we were identifying with characters for fun, but perhaps we were picking up the shiftiness of acting—for life.

The case of Burt Lancaster is more complex. He was married three times, and he had five children. But we are past believing that such credentials settle all interests. The best biography on Lancaster, deeply researched and written with care and respect by Kate Buford, does not believe he had an active gay life. That book was published in 2000. On the way to a celebration of its publication at Lincoln Center, I had dinner with an old friend, George Trescher, a man who did nothing to conceal his own homosexuality, and he assured me that in fact Lancaster had led a gay life. Later still, some documents were released from the F.B.I. and the Lancaster family that did not name names but that revealed that Lancaster had often been “depressed,” that he was bisexual, and that he had had several gay relationships, though never on more than a short-term basis.

With that in mind, you might look at Lancaster’s strangest film, The Swimmer (1968), directed by Frank Perry and taken from a John Cheever story. It’s a fable about an apparent Connecticut success, Ned Merrill, who takes it into his head to swim home one summer Sunday by way of all the pools owned by his acquaintances. Cheever, who had a tormented gay life, watched the filming with awe and amusement, as Burt, at fifty-five, in simple trunks, made Ned’s way from sunlight to dusk and dismay. Why did they make that movie? you’ll wonder. Because Burt wanted to do it.

For much of his career, Lancaster was called a he-man or a hunk. Trained in the circus and proficient as an acrobat, he loved athletic and adventurous roles in movies for which he frequently did his own stunts. As a boy, I thrilled to him as Dardo in The Flame and the Arrow (1950), about a twelfth-century Robin Hood figure from Lombardy. His sidekick in that picture was played by Nick Cravat, a circus partner who kept company with Burt for decades. They made nine films together, including The Crimson Pirate (1952), with Burt as an archetypal grinning rogue, beautiful and physically commanding, in what went from being a straight pirate adventure to a camp romp in which Lancaster is blond, bright, and comically cheerful—in other words, the hero is a parody of himself.

There was another Lancaster, darker and more forbidding: you can see that actor in The Killers, Brute Force, y Criss Cross, and he emerged fully as Sergeant Warden in From Here to Eternity. That Lancaster became a good actor, but for decades he was determined to stay athletic and heroic: as late as The Train (1964), when he was fifty, he was doing his own stunts. But his work in Sweet Smell is the more interesting for being so repressed. Was he at ease like that? Orson Welles had been the original casting as J.J., but Welles was in a run of ops so Lancaster the producer elected to play the monster himself. He made the role in a way that would have been beyond Welles. It’s in Hunsecker’s stealth and stillness that we feel his evil—or call it a darker inner life than Burt was accustomed to showing. Only a couple of years before Sweet Smell, he had played with Curtis in Trapeze, a conventional circus film that took advantage of his own physical skills.

Tony Curtis reported in his book that Lancaster was often very tense during the filming: he was at odds with Mackendrick, so that they sometimes came close to physical conflict. In one scene, Mackendrick wanted Burt to shift over on a bench seat to let Curtis sit at the table. Burt insisted that Hunsecker would not have moved for anyone—it was a good insight—and he nearly fought the director. Mackendrick was taking too long the picture’s costs were mounting. But the physical actor in Lancaster was both determined on and pressured by the role’s tensions.

The film’s composer, Elmer Bernstein, said, “Burt was really scary. He was a dangerous guy. He had a short fuse. He was very physical. You thought you might get punched out.” Yet Lancaster was supposedly in charge, as both character and producer. Was he afraid of his own film commercially? Did he bridle at his required stillness? Was he in control of Hunsecker’s blank rage? Did he guess that Tony Curtis had the more vivid role? Or was he oppressed by the implications of the film’s central relationship? Did he feel the movie was a plot against him? These questions are not just gossip they enrich one’s experience of J.J.’s paranoia. Lancaster’s authority and Hunsecker’s power are twinned and destructive.

If we see a gay subtext in Sweet Smell, then the hobbled nature of its women characters becomes clearer. It is not just that pliant singer on a senator’s arm. Susan is an emotional wreck, attractive in outline but drained of romantic confidence or stability. At one point Sidney tells her to start thinking with her head not her hips. Hunsecker has a secretary who has no illusions about him. Sidney has a girl who is his humbled slave. There is a well-drawn betrayed wife (nicely played by an uncredited Lurene Tuttle). And then there is the Barbara Nichols character, Rita, an illusionless hooker so degraded she will do whatever Sidney requires of her. There isn’t a woman in the lm with appeal or self-respect. This bleak elimination of heterosexual potential is part of the dankness in Sweet Smell and one more contrast with the exhilarated sparring between the male leads. Hatred or antagonism is their idiom, and we can’t stop hanging on the tortured double act.

De Sleeping with Strangers: How the Movies Shaped Desire. Used with permission of Knopf. Copyright © 2019 by David Thomson.


Prolific Character Actor Ed Lauter Dies at 74

Ed Lauter, the always working character actor who played the butler/chauffeur of Berenice Bejo&rsquos character Peppy in the best-picture Oscar winner El artista, died Wednesday. He was 74.

Lauter discovered in May that he had contracted mesothelioma, a terminal form of cancer most commonly caused by exposure to asbestos, publicist Edward Lozzi dicho El reportero de Hollywood.

Lauter recently played a baseball scout opposite Clint Eastwood en Trouble With the Curve (2012) and had recurring roles on Showtime drama Shameless as Dick Healey and on USA Network&rsquos Pysch as Deputy Commissioner Ed Dykstra. Earlier, he recurred on ER, playing Fire Captain Dannaker.

A native of Long Beach, N.Y., Lauter made his TV debut on a 1971 episode of Mannix and arrived on the big screen for the first time in the Western Dirty Little Billy (1972). One of those character actors whose name is unknown but is instantly recognizable, he is listed with an incredible 204 credits as an actor on IMDb.

En Alfred Hitchcock&rsquos final film, Family Plot (1976), the balding, angular Lauter played Maloney, the dangerous, blue-collar man who knows too much about dapper jewel thief and kidnapper Arthur Adamson (William Devane). Hitchcock cast Lauter after seeing him play Captain Wilhelm Knauer, the sadistic leader of the guards who go up against Burt Reynolds&rsquo convict football team, in the classic The Longest Yard (1974).

&ldquoHitchcock came out of his screening room, walked back into the office and said, &lsquoHe&rsquos very good, isn&rsquot he?&rsquo&rdquo Lauter recalled in a 2003 interview. &ldquo[His assistant Peggy Robertson], thinking that he meant Burt Reynolds, said, &lsquoYes, he is.&rsquo &rdquo

&ldquoHitchcock said, &lsquoWhat&rsquos his name again?&rsquo Now, Peggy&rsquos lost he doesn&rsquot know who Burt Reynolds is? Then, Hitchcock said, &lsquoEd something &hellip&rsquo and when Peggy told him, &lsquoEd Lauter,&rsquo he said, &lsquoYes, we&rsquove got our Maloney.&rsquo He had actually told Peggy that he wasn&rsquot going to do the film unless he first cast Maloney, the antagonist.&rdquo

His film résumé also includes The New Centurions (1972), The Last American Hero (1973), French Connection II (1975), King Kong (1976), magia (1978), Cujo (1983), Lassiter (1984), Death Wish 3 (1985), The Rocketeer (1991), Trial by Jury (1994), Leaving Las Vegas (1995), Mulholland Falls (1995), Seabiscuit (2003), the 2005 remake of The Longest Yard, Seraphim Falls (2006) and The Number 23 (2007).

It only seems as if he was in every TV crime drama in history, with parts in Cannon, Ironside, The Streets of San Francisco, Kojak, Baretta, Police Story, Los archivos de Rockford, Charlie&rsquos Angels, Hawaii Five-0, Simon & Simon, Magnum, P.I., The A-Team, Miami Vice, Walker, Texas Ranger, Homicide: Life on the Street, NYPD Blue, Cold Case y CSI.

Lauter, who went to college on a basketball scholarship at C.W. Post on Long Island and worked as a stand-up comic, made his Broadway debut in the original 1968 stage production of The Great White Hope starring James Earl Jones y Jane Alexander.

He has three movies in the can yet to be released: The Town That Dreaded Sundown, Becker&rsquos Farm y The Grave.

&ldquoHe was a pal, not just a PR client,&rdquo recalled Lozzi. &ldquoHis former stand-up comedy days would always entertain us behind the scenes with his most incredible impersonations. He called me as Clint Eastwood from the set of Trouble With the Curve el año pasado. We really thought it was Eastwood!&rdquo

Lauter also was known to do excellent impersonations of Burt Lancaster, George C. Scott, James Cagney y Humphrey Bogart.

The Ed Lauter Foundation and a scholarship fund is being established to honor his work, and the scholarship will be awarded annually to aspiring young actors. His family, which includes his wife of eight years, Desaparecido en combate, asks that donations be made to the foundation.

In the 2003 interview, Lauter recalled: &ldquoSomeone once said to me, &lsquoEddie, you&rsquore a &ldquoturn&rdquo actor.&rsquo What&rsquos that? He said, &lsquoThat&rsquos when a story is going along and your character shows up and the story suddenly takes a major turn.&rsquo That&rsquos kind of neat.&rdquo


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